Sankt Georg und der Drache – Raffaels ritterliches Meisterwerk

San Giorgio und der Drache (Raffaello Sanzio, 1506)

„San Giorgio und der Drache“ von Raffaello, ein kleines Ölgemälde (28,5 × 21,5 cm), gehört zu den intensivsten Meisterwerken seiner Jugend. Das Gemälde zeigt eine vertikale und dynamische Komposition: Der Heilige Georg, in voller Rüstung als christlicher Ritter, wird auf einem Pferd dargestellt, während er mit einer Lanze den Drachen zu seinen Füßen trifft. Der ruhige und idealisierte Blick des Heiligen, der himmelblaue Umhang, der hinter ihm weht, und die Diagonale der Lanze schaffen eine ausgeglichene Spannung zwischen Bewegung und Ruhe. Die Farbpalette ist strahlend: Das Pferd ist weiß mit einer silbernen Mähne, der Umhang des Heiligen Georg leuchtet in Kobaltblau, und zu seinen Füßen liegt ein Drachen in lebendigen Farben (mit bräunlich-gelbem Körper und mintgrünem Kopf) und Fledermausflügeln. Im Hintergrund heben sich hellgelbe Hügel, gesprenkelt mit dunkelgrünen Kiefern, sowie zwei rostrote Türme gegen einen hellblauen Himmel ab. Das Licht ist klar und gleichmäßig, wodurch die glatten Oberflächen der Figuren und der brillante Farbkontrast betont werden. Die Figur der Prinzessin, eine Nebenfigur, kniet betend mit gefalteten Händen. Sie trägt ein rubinrotes Kleid und einen transparenten weißen Schleier, was die Atmosphäre der sanften Andacht verstärkt. Schließlich unterstreichen wertvolle Details die Symbolik: Am Schienbein von San Giorgio ist ein indigo- und goldfarbenes Band mit der Inschrift „HONI“ gebunden (Motto des Hosenbandordens), und am Hals des Pferdes ist in Gold der Name „RAPHELLO“ gemalt, eine figurative Signatur des Malers. Zusammengefasst vereint das Werk elegante geometrische Harmonie mit lebendiger Farbigkeit und einer Fülle symbolischer Details und verkörpert das idealistische Konzept der formalen Grazie der Renaissance.

 

Historischer und ikonografischer Kontext

San Giorgio, der römische Krieger, der zum Christentum konvertierte und der Schutzpatron der Ritter ist, besiegt den Drachen gemäß einer mittelalterlichen Legende: Nachdem er eine von dem Ungeheuer bedrohte Prinzessin gerettet hat, führt sein Sieg zur Bekehrung des heidnischen Königs und seines Volkes. Diese Erzählung, Kampf des Bösen und Sieg des Glaubens, erklärt die Wahl des Themas als feierlichen Anlass. Die Tafel wurde in der Zeit geschaffen, als Guidobaldo da Montefeltro, der Herzog von Urbino (der jugendliche Beschützer von Raffaello), im Jahr 1504 von Heinrich VII. von England zum Ritter des Hosenbandordens ernannt wurde. Das Gemälde verweist eindeutig auf dieses Ereignis: Der Knappe trägt das blau-goldene Band des Hosenbandordens mit der Inschrift „HONI“ (Abkürzung von Honi soit qui mal y pense, dem Motto des Ordens). Neueste Studien zeigen, dass das Paneel für den englischen Botschafter Gilbert Talbot, den Gesandten des Königs, und nicht direkt für Heinrich VII. bestimmt war. In jedem Fall symbolisiert das Motiv von San Giorgio die ritterliche Tugend und den göttlichen Schutz, ideal, um eine Ritterweihe zu feiern und die prestigeträchtige Renaissancekultur von Urbino zu demonstrieren.

Aus stilistischer Sicht lässt sich in den frühen Formen von Raffaello der Einfluss der umbrischen Schule von Pietro Perugino, seinem ersten Lehrer, erkennen – sowohl im perfekten Profil des Heiligen als auch in den zarten Falten des Gewandes und der ruhigen Balance der Szene. Gleichzeitig bringt Raffaellos Aufenthalt in Florenz (ab 1504) eine neue Dynamik mit sich: Der leonardeske Stil (zu dieser Zeit noch lebendig in Florenz) drückt sich hier in der wirbelnden Bewegung des Pferdes und in den Chiaroscuro-Effekten aus, die das Volumen der Figuren modellieren. Zusammengefasst: Auch wenn es nicht an peruginesken Reminiszenzen fehlt (sanfte Blicke, zurückhaltende Haltungen), spiegelt die Komposition bereits eine perspektivische und energetische Spannung wider, die von Leonardo inspiriert ist. Einige Kritiker verweisen zudem auf klassische Einflüsse in der statuarischen Pose von San Giorgio, die an das bekannte San Giorgio von Donatello erinnern könnte, das in Florenz aufbewahrt wird (und die heroische Noblesse des Motivs unterstreicht). Diese Elemente vereinen sich und positionieren das Werk am Schnittpunkt verschiedener künstlerischer Traditionen: umbrisch, florentinisch und klassisch, die Raffaello in diesen Jahren aufnahm.

 

Geschichte des Werks

Der ursprüngliche Auftraggeber ist nicht mit Sicherheit bekannt, doch es ist wahrscheinlich, dass das Gemälde von der Hofgesellschaft von Urbino in Auftrag gegeben wurde, um die Erhebung des Herzogs zu feiern. Die Tafel, die gegen 1505-1506 vollendet wurde, gelang jedoch rasch nach England: Bis 1627 befand sie sich im Besitz von William Herbert, dem dritten Earl of Pembroke, in Wilton House. Wahrscheinlich wurde das Gemälde später von einem der Brüder Herbert in den 1630er Jahren an König Karl I. von England geschenkt. Nach dem Sturz des Königs wurde das Gemälde 1651 auf einer öffentlichen Auktion der parlamentarischen Regierung verkauft. Später gelangte es nach Frankreich und wurde Teil der reichen Sammlung des Händlers Pierre Crozat. 1772, auf Vermittlung von Denis Diderot, erwarb Katharina II. von Russland die gesamte Crozat-Sammlung für das Eremitage-Museum in Sankt Petersburg. Das Werk blieb bis 1931 in der Eremitage ausgestellt, als die sowjetische Regierung viele Kunstwerke verkaufte, um Devisen zu sammeln. Im März 1931 wurde die Tafel von einem Konsortium von Kunsthändlern unter der Leitung von M. Knoedler gekauft und an den amerikanischen Industriellen Andrew W. Mellon verkauft. Im Rahmen dieser Transaktion erwarb Mellon insgesamt 21 Gemälde für eine Gesamt-Summe von 6.654.000 Dollar (eine außergewöhnliche Summe für die damalige Zeit), darunter Meisterwerke von Van Eyck, Botticelli und Tizian. 1932 wurde das Werk dem Mellon Educational and Charitable Trust geschenkt und 1937 in die Gründungssammlung der National Gallery of Art in Washington aufgenommen. So wurde "San Giorgio e il drago“ Teil des Hauptbestands des Museums und markierte die Geburt einer der renommiertesten Sammlungen der Renaissance-Malerei weltweit.

 

Vergleich mit der Version im Louvre

Raffaello fertigte zwei kleine Versionen des Themas von San Giorgio an; die oben beschriebene (ca. 1505-06) befindet sich in Washington, während die ältere Version (ca. 1503-05) im Louvre in Paris aufbewahrt wird. In beiden Kompositionen ist die Szene ähnlich: San Giorgio, auf einem Pferd, das sich aufrichtet, steht kurz davor, den Drachen zu durchbohren, und im Hintergrund erscheint eine Prinzessin. Die Ausführung jedoch variiert. In der Pariser Tafel erscheint die Prinzessin fast in Flucht mit einer schiefen Haltung und der bereits zerbrochenen Lanze auf dem Boden (Anzeichen für eine noch lebendige Aktion), während sie im Washingtoner Gemälde kniend im Gebet dargestellt wird, was einen Moment der Ruhe nach dem Triumph andeutet. Auch die Farbgebung unterscheidet sich: Der Louvre tendiert zu gedämpften und verwaschenen Tönen (typisch für einen noch stärker peruginesken Stil), während Washington lebendigere und kräftigere Kontraste zeigt. In beiden Fällen bleibt jedoch die kompositorische Ordnung erkennbar: Die Diagonalen des Pferdes und der Lanze lenken den Blick, und die Figuren bewahren einen Eindruck von feierlicher Ruhe. Beide Versionen sind als kleine Tischgemälde konzipiert (laut Lomazzo sogar mit einem Schachbrettmuster auf der Rückseite), die für die nahe Betrachtung bestimmt waren. Insgesamt sollten Washington und Louvre im Dialog gelesen werden: Die thematische Ähnlichkeit und die stilistischen Unterschiede offenbaren die künstlerische Entwicklung von Raffaello zwischen seinen ersten Versuchen und denen, die nur wenig später entstanden.

 

 

 

Kritische Rezeption

Seit dem 16. Jahrhundert wird Raffaello als der größte Meister der Harmonie und Anmut gefeiert. Obwohl Vasari diese kleine Tafel nicht im Detail beschreibt, erwähnt er sie im Kontext der wunderbaren Jugendreife des Künstlers. In den folgenden Jahrhunderten haben Kunsthistoriker „San Giorgio e il drago“ stets als ein wertvolles Zeugnis der stilistischen Entwicklung Raffaellos anerkannt. Bernard Berenson bemerkte beispielsweise die „entzückende Einfachheit“ der jugendlichen Sprache Raffaellos, in der die perugineske Komposition mit einer aufkommenden leonardesken Vitalität verschmilzt. Sir John Pope-Hennessy stellte dieses Werk als eines der reinsten Beispiele für das Renaissance-Gleichgewicht heraus und betonte, wie die idealisierten Figuren ewige Werte verkörpern. Neuerdings hat David Alan Brown darauf hingewiesen, wie die Tafel heroische Tugenden und die Reinheit der Formen miteinander vereint: Die selbstbewusste Figur des San Giorgio und die stille Anmut der Prinzessin spiegeln ein humanistisches Ideal von Schönheit und Moralität wider (und ahnen Themen vor, die Raffaello in seinen Madonnen und in der Schule von Athen weiter ausführen würde). Insgesamt sind sich die Kritiker einig, dass das Werk eine symbolische Synthese von formaler Perfektion und spiritueller Noblesse darstellt. Die Chiaroscuro-Effekte und die arkaisierende Haltung etwa wurden als ein Tribut an die Lehre von Leonardo und Perugino interpretiert, die bereits in diesem Gemälde deutlich erkennbar sind. Die feierliche Präsenz der Elemente (der goldene Heiligenschein, der besiegte Drache, die harmonische Landschaft) besitzt zudem eine starke allegorische Bedeutung, die, laut hochrangigen Wissenschaftlern, eine universelle Botschaft des Sieges des Guten und des Glaubens ausdrückt.

 

Schlussfolgerungen

Das Gemälde „San Giorgio e il drago“ tritt somit als Symbol für Anmut, moralische Stärke und ideale Schönheit hervor. Das Bild des jungen, aber ruhigen Heiligen, der mit einer friedlichen Geste das Böse besiegt, die betende Prinzessin in Kontemplation – all dies trägt dazu bei, ein universelles Ideal der Tugend zu beschwören. Die formale Reinheit des Werks, erreicht durch feine Farbnuancen und eine perfekt proportionierte Zeichnung, verleiht der Szene eine fast metaphysische Aura. Obwohl in kleinerem Format gehalten, ist die Kraft des Gemäldes monumental: Es spiegelt die edelsten Bestrebungen der Renaissance-Humanismus wider. Noch heute bleibt der Sinn für Harmonie und heilige Schönheit vor diesem Bild unversehrt. „San Giorgio e il drago“ spricht weiterhin die menschliche Seele an: Seine ausgewogene Stärke und die ewige Botschaft von Mut und Anmut inspirieren den Betrachter und bestätigen den bleibenden Wert des Ideals, das es verkörpert.

 

Quellen: Texte der National Gallery of Art Washington (artsandculture.google.com, nga.gov), der Kunsthistorikerin (Analyse und zitierte Veröffentlichungen) thehistoryofart.org, en.wikipedia.org. Unter den Gelehrten seien Vasari (Vite), Bernard Berenson, John Pope-Hennessy und David Alan Brown genannt, die alle übereinstimmen, die formale und symbolische Qualität dieses Werks zu würdigen.

 

 

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